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Creación y promoción de obras artísticas originales que reflejan la cultura y la tradición occidental contemporánea
A todos los que apasionadamente se dedican a la búsqueda de nuevas ‘epifanías’ de belleza, para que, a través de su creación artística, las ofrezcan como un don al mundo— San Juan Pablo II, Carta a los artistas, 1999
Antonio DeCinti (1995)
Antonio Decinti nació en Santiago de Chile y, posteriormente, se estableció en Madrid, España, en el año 2002. Pertenece a una familia de artistas. Ha recibido formación en preparación y enmarcado de soportes para pintura al óleo, producción de exposiciones, dibujo y pintura al óleo junto a su padre, Alejandro Decinti, y el pintor Óscar Villalón.
Es graduado en Artes Aplicadas a la Escultura por la Escuela de Arte La Palma, donde adquirió conocimientos sobre procedimientos escultóricos en madera, arcilla, metal y producción de moldes. También cursó estudios de Historia del Arte en la UCM (Universidad Complutense de Madrid).
Actualmente, realiza cursos particulares e imparte clases en la academia de arte Decinti & Villalón, donde enseña pintura al óleo y dibujo. Asimismo, colabora en exposiciones y asiste en la producción de las obras pictóricas de su padre.
Filosofía Artística
El arte como forma de tradición debe ser defendido; la cultura occidental es el máximo exponente de todo lo que se ha creado. Bajo la protección de la Iglesia Católica, se han realizado las mejores obras maestras que la historia ha conocido. Las nuevas tendencias del pensamiento posmoderno amenazan la tradición que defiendo en mis pinturas, centrada en los grandes temas de la cultura española: la tauromaquia, el flamenco, los temas religiosos y la vida de los santos. La pintura tradicional es lo que deseo enseñar, porque este tipo de arte es el que ilumina la verdad y la belleza ante el mundo.
En mis pinturas religiosas he recibido una gran influencia de «Las Florecillas» de San Francisco de Asís. También de Federico García Lorca en sus escritos sobre el toreo, como «El Romancero Gitano» y «La teoría del duende». En este último, Lorca habla de la inspiración —en su caso, flamenca—, la cual puede aplicarse a toda forma de creación artística: la inspiración surge de un sentimiento profundamente humano que crece y eleva al artista hasta encontrarse con el creador.
El «duende» no se encuentra en cualquiera; es una gracia otorgada por Dios para crear y ayudar a su comunidad. Es un poder misterioso que todos pueden sentir pero que ni los más grandes pensadores pueden explicar. Puede verse como si un ángel iluminara al artista para que realice su obra casi sin esfuerzo; si Dios quiere que suceda, sucederá; la capacidad no es necesaria, pues las limitaciones son siempre de forma humana.
Cuando el Greco o Goya pintaban, no importaba si la técnica no era perfecta ni si el resultado era impecable; simplemente lograban transmitir con «duende» en sus cuadros. El «duende» es algo innato de España; la muerte está muy presente y la mayor festividad es la tauromaquia: una batalla a muerte que solo puede concluir de la manera más perfecta, que es la muerte, como hizo Manolete. Es como una misa, donde se adora y se sacrifica a Dios.
Obra
Videos
2025: Los cielos retratados
2022: En la mente de un joven pintor, Démontrer Discovery
Antonio Decinti es un joven pintor de Madrid. Tomate un unos minutillos, relájate y descubre a este joven artista. Esperamos que os guste. Contacto: Instagram: @Antoniodecintitorrejon @demontrerstudios
Alejandro DeCinti (1973)
Pintor chileno-italiano, Licenciado en Bellas Artes Universidad de Chile, radicado en España desde 2001.
Distinguido con la Beca Excelencia Académica proceso de admisión 1991 a las universidades chilenas. Primer premio concurso Arte en Vivo en 1994 y la beca de posgrado Fundación Arte y Autores Contemporáneos en 2001. Fundador en Madrid del proyecto artístico Decinti Villalón en 2003, junto al artista chileno-español Oscar Villalón. Desde 2009 es colaborador y promotor del proyecto Ramírez Máro Institute junto al artista alemán Rafael Ramírez Máro. En 2011 funda DeArtibus proyecto artístico basado Barcelona hasta 2013. En 2019 funda DeCinti Villalón México en la ciudad de San Miguel de Allende junto a los artistas mexicanos Heder Contreras y Emmanuel Sierra.
Su labor se concentra exclusivamente en la creación, enseñanza y promoción de obras artísticas pintadas con medios tradicionales, que contienen reflexiones en torno a la cultura y espiritualidad universal, el ser americano y la identidad chilena.
Profundamente inspirado en la filosofía de Santo Tomás de Aquino, Cornelio Fabro, Christian Ferraro y Étienne Gilson. En 2020 aceptó el desafío universal del Consejo Pontificio para la Cultura del Vaticano de investigar y desarrollar su trabajo a lo largo del camino de la “Via Pulchritudinis”. Combate activamente la leyenda negra anticatólica, la falsificación histórica y los errores filosóficos que desgastan a la sociedad cristiana occidental a través del arte y la cultura modernista, secularista, materialista y atea. Contribuyendo al movimiento cultural contrarrevolucionario por la sana doctrina y en obediencia a la Santa Iglesia Católica Apostólica y Romana.
Temas
El artista presenta una sutil conexión de cinco grandes ciclos temáticos: teología, moralismo, mitología grecolatina, mitología maya y mapuche. Siempre es consciente de la gran dificultad que entraña cada uno de ellos por la grandeza y complejidad que entrañan. Esta diversidad es compartida por el aspecto fundacional de la historia, la cultura y el alma de los seres humanos. A través de la experiencia metafísica común del ser, como humanidad y su relación trascendental con la realidad que la invade, se desborda exaltando su sentido natural de lo divino hasta alcanzar niveles de sobrenaturalidad determinados esencialmente por la proximidad de la verdad teológica de la revelación. Investigación y desarrollo artístico, filosófico y espiritual. Su obra profundiza en las amplias inquietudes de su propuesta más personal, inicialmente oscura y desdibujada, sólo iluminada por débiles destellos de intuición, que ha ido clarificándose y consolidándose a través de una obra que refleja su honestidad y esfuerzo, convirtiéndola en una obra muy personal. Propuesta de pintura contemporánea con un enfoque técnico y temático tradicional. Intenta ahondar en los misterios originales de la conciencia y la libertad escondidos en el silencio insondable del buen Dios.
Obra
A la luz de la realidad. Realismo contemporáneo en España
del 16 de junio al 23 de septiembre de 2007.
Por primera vez en Alemania desde hace más de un cuarto de siglo (en la parte oriental del país) con esta completa exposición, comenzó el intento de presentar en público una de las principales exposiciones del realismo contemporáneo en España, mediante más de 80 obras seleccionadas de las dos últimas décadas. Fueron presentadas exclusivamente pinturas y un selecto grupo de dibujos de un conjunto de 19 artistas de tres generaciones, de Madrid (con la inclusión de Chinchón) y Barcelona, como los dos centros más importantes hoy en día donde se considera que se encuentran los focos del realismo español. Los trabajos individuales completan el grupo de maestros que encarna tal vez la más importante escuela de pintores realistas de Europa, una escuela que se considera mientras tanto como histórica: El realismo español contemporáneo.
Lo ligado a la tradición caracteriza a este realismo, así como el acabado perfecto, también el perfecto dominio de los recursos, atmósferas densas y el encuentro del humanismo existencial, el cual expresan los cuadros, pero ante todo la más estrecha unión en la visión de la realidad, basada sobre un estudio intensivo de la naturaleza cono base, así como en la decisión de la apreciación de la escala de todos los trabajos de arte, y un decidido y crítico reflejo de lo contemporáneo más allá de retórica propagandística. En esencia este arte es como capturar un realismo sensual de lo cotidiano, en cuanto al contenido formal.
De análoga modestia son los motivos y temas de estos cuadros: naturaleza muerta, escenas de estudio, interiores, figuras humanas y –sobretodo- lo moldeado por el hombre y en general el desierto paisaje urbano. Toda la narrativa versa sobre la reflexión estética de la observación retrospectiva. La visión artística sublimina lo contemplado, en el color, luz y forma gracias a la fantasía de los pintores concentrada en una nueva realidad. Ninguna otra región geográfica ha producido en los últimos 30 años semejante cantidad, calidad y firmeza en la formación realista, y en continuación con su tradición, como podría también afirmarse en España.
Junto a todos los principios estilísticos el acuerdo de este arte es cálido igualmente pero también se preciben su enorme individualidad y diversidad.
El objetivo de la presentación no es por lo tanto lo principal a presentar sobre el realismo español de la actualidad, sino al mismo tiempo también la particularidad de cada individualidad en el intento de las tradiciones nacionales trabajadas hacía afuera, así como la especial importancia de ese arte que lleva la claridad ante los ojos en la pintura actual.
Amalia Avia, Cristian Avilés, DAO (Daniel Aguirre-Aceval), Alejandro Decinti, Carlos Díaz, César Galicia, Clara Gangutia, Jesús Ibáñez, Antonio López, Luis Marsans, María Moreno, Pedro Moreno Meyerhoff, Guillermo Muñoz Vera, Alejandro Quincoces, Isabel Quintanilla, Josep Roca-Sastre, Josep Santilari, Pere Santilari, Julio Vaquero.
El libro que acompaña la exposición ofrece una amplia cantidad de imágenes, información biográfica, documentación detallada y una completa introducción al tema, escrito por Michael Nungesser, un reconocido experto en el arte español, especialmente en el campo de la pintura contemporánea.
Panorama Museum
www.panorama-museum.de
Alejandro DeCinti. Ejercicios de narración
¿Qué hace a un artista elegir un tema u otro? Esta cuestión me lleva a reflexionar acerca de la pintura de Alejandro Decinti, ya no desde un punto de vista técnico, pues su valía con los pinceles está sobradamente contrastada, sino sobre su dialéctica, entendida según la interpretación benjaminiana en la que el lenguaje ha supuesto inequívocamente que la consciencia no sea un instrumento para explorar el pasado, sino su escenario.
La lectura dialéctica de las primeras obras de Alejandro Decinti en Chinchón nos pone en relación con lo telúrico y lo humano, apenas insinuado, pero presente. La piedra, el barro y las plantas, conviven con una mano anónima que enciende el fogón de una cocina, unas piernas que se enfrentan a un televisor mientras los niños hacen sus tareas en una estancia posterior, con una luz y un aire velazqueño, similar al de las primeras composiciones del maestro sevillano. Alejandro Decinti ha decidido subvertir las leyes de la narración clásica y dar la primacía visual a un asunto aparentemente banal, relegando al fondo la escena principal de la composición.
Los patios y objetos tirados por el suelo nos remiten al oficio de pintor, los útiles de trabajo, los trapos y rodillos, los cubos llenos de pinceles y por fin el fregadero azul, una obra cargada de texturas fácilmente diferenciables, que nos abre una puerta a otro universo, más urbano y quizá más caótico que se va asomando poco a poco a los lienzos de Decinti.
Las calles de Madrid serán el hilo argumental de este segundo acto, llenas de gente o vacías, con la única presencia de los seres queridos. Incorpora símbolos y elementos del imaginario social. La barra del bar nos retrotrae nuevamente a la pintura de los grandes maestros. Los bares madrileños son el nuevo Folies Bergère, sustituimos el champagne por un castizo botellín de Mahou y el espejo por una enigmática ventana en la que se apoya un personaje, una vez más será ese pequeño asunto el que atraiga nuestra atención, en ese juego de escenas al que nos tiene acostumbrado Decinti.
La familia y los seres queridos tendrán siempre una importante cuota de protagonismo en las narrativas del artista, su presencia aumentará o disminuirá dependiendo de múltiples circunstancias, pero nunca desaparecerá. Estas obras son ventanas de honestidad hacia un espacio íntimo, a veces esbozado, pero en ocasiones descrito con pormenorización.
Los grandes dípticos nos introducen a la perfección en este episodio. La familia durmiendo, Toño y Alma mirándonos de frente o el fantástico sueño de Alma, todos con una pincelada suelta y diluida que se contrapone a la factura empastada de los rostros. Los cuerpos se abandonan, en ocasiones presentan una estructura laxa, casi descuidada, con actitudes más próximas a lo lánguido que a lo enérgico.
Una obra despierta mi atención por encima de las demás, la titulada Torero muerto, un nuevo guiño, en este caso, a los maestros del XIX. L’Homme mort de Édouard Manet es el pretexto de una obra en la que Toño aparece recostado, acaso muerto, en un violento escorzo que evoca al Cristo morto de Andrea Mantegna. En este caso, Decinti regresa a las maniobras de ámbitos, tan presentes en su obra. A diferencia del lienzo de Manet, mutilado por unos prejuicios que se demostraron infundados, Decinti nos muestra la composición completa, con una escena principal que carece de sentido sin los asuntos que se intuyen en el plano posterior, dos cabezas de toros, apenas esbozadas, que culminan a la perfección la dialéctica de la obra.
En Pecho de niña, una obra de 2007, las manos adquieren protagonismo y nos sirven de bisagra para el siguiente episodio temático. Sin duda se trata de un apéndice compositivo del acto anterior; seres queridos o con una indudable vinculación afectiva con el artista aparecen en los lienzos, pero sus actitudes ya no serán las mismas, ¿dónde quedaron las miradas de complacencia y las posturas indolentes?
Los personajes ahora nos transmiten fuerza y energía. Las manos se rebelan, se adueñan de las composiciones y nos interpelan con fuerza. El retrato de Lubo es posiblemente la obra con más firmeza de la serie. Los brazos poderosos, resueltos con las pinceladas justas y con una economía de medios magistral, se apropian de la obra de un modo rotundo.
El apartado dedicado a arte, historia y sociedad evidencia una relación con elementos hasta entonces desatendidos por él, como son las fuentes históricas y literarias.
Especialmente interesante resulta la obra Zuzanna y los viejos, inspirada en el relato bíblico del Libro de Daniel, que trata un asunto tristemente actual, en el que dos ancianos, al verse rechazados por una joven, testifican falsamente en su contra y la llevan a juicio. La mujer es maltratada, humillada y convertida en objeto. Decinti interpreta a la perfección el relato y lo trae al siglo XXI, con un tratamiento enormemente acertado de la composición. Me quedo con el cruce de miradas entre la joven y el anciano. La pequeña pincelada blanca que ilumina la esclerótica del anciano aporta carga expresiva a la obra y dota a la mirada de una intensidad descontrolada.
Las reflexiones sobre el retrato de la Condesa de Chinchón de Goya participan de las mismas inquietudes. La retratada, una mujer de triste y trágica biografía, está representada agredida por unas manos que la amordazan y cubren sus ojos. Un ejercicio de planos superpuestos dota a la composición de un aire onírico e irreal. Las narrativas cruzadas vuelven a aparecer de un modo diferente pero evidente.
El ciclo Nave de Necios, inspirado en el texto de 1494 La nave de los Locos o de los necios (Stultifera Navis), en el que Sebastian Brant critica los vicios de su época a partir de la denuncia de distintos tipos de necedad o estupidez, está cargado de teatralidad. Alejandro Decinti explora su vertiente más dramática y agitada; cuerpos entrelazados, rostros desencajados y composiciones irreales definen esta serie. Nuevamente reconocemos el rostro de sus personas más próximas, familia y amigos, como protagonistas involuntarios de las obras.
Intrigante y evocadora resulta la escena de la persecución de Pan a la ninfa Syrinx, en el momento preciso en el que, acorralada y ayudada por sus hermanas es convertida en un cañaveral. Recuerda a la magnífica escultura Apolo y Dafne de Bernini, en la que Apolo persigue a la ninfa Dafne, mientras sus brazos se transforman en laurel para que el dios no la pueda tomar como esposa. La composición, posiblemente la más próxima al ideal clásico de las diagonales barrocas, es dinámica e inestable y la narración es escrupulosamente fiel al original latino de Ovidio del siglo I.
Precisamente serán la Metamorfosis de Ovidio las que marquen las líneas maestras de las últimas obras presentadas. Agitada y pasional es la Andrómeda, encadenada junto a la orilla del mar, liberada por un Perseo, apenas intuido por dos brazos vigorosos que sostienen a la hija de Cefeo y Casiopea. Compositivamente nos recuerda a las crucifixiones barrocas, como una Santa Librada radicalmente contemporánea.
No quiero dejar pasar las diferentes versiones del Rapto de Europa, más contenidas y sensuales que el resto de escenas del conjunto. Zeus, bajo la apariencia de un toro ensabanado, de facciones nobles, se lanza al mar con la bella princesa Europa en su grupa que, auxiliados por los vientos, avanzan por las aguas marinas. Decinti se percata del detalle y, mediante un tul vaporoso, ayuda al espectador a entender el papel de las brisas marinas en el apresurado viaje.
Alejandro Decinti nos invita a un viaje, un recorrido de carácter casi iniciático que empieza en la tierra y termina en las fábulas mitológicas. El camino está inacabado porque sabemos cuál es el origen, pero ni siquiera insinuamos dónde se encontrará el final. La dialéctica ha sido coherente, nadie podrá acusar al pintor de falta de honestidad, pero siempre nos quedará sin respuesta la pregunta que abría estas reflexiones ¿qué hace a un artista elegir un tema u otro?
Decinti nos ofrece valiosas pistas en sus obras, algunas de lectura obvia y otras no tanto, pero todas ellas necesarias y consistentes. Siento que el artista se vacía en cada obra y eso me reconcilia con la creación actual, enferma de banalidad y cargada de superficialidad.
Raúl Alonso Sáez
Coordinador de Exposiciones
Ministerio de Educación, Cultura y Deporte
España
